Dee Rees et l'art de survivre en tant que réalisatrice noire

Dee Rees et l’art de survivre en tant que réalisatrice noire

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ee Rees attendait devant une maison discrète dans une rue calme de Los Angeles par une chaude journée de juin, vêtue d’un T-shirt arborant les mots «Arrest the President». Elle a ouvert la voie devant ses buissons de jasmin parfumés, devant une piscine en forme de rein, devant un Dogue Allemand de la taille d’une interpolation dans une maison d’hôtes intime qui avait été transformée en studio de musique. Les murs étaient peints en bleu foncé et presque chaque pouce de rechange de l’équipement mural et au sol: guitares Fender, synthés, amplis, haut-parleurs et claviers. Le sol était couvert de tant de cordons d’alimentation qu’ils ressemblaient à un tapis. Un enregistrement d’une voix folle chantant sérieusement jouait fort sur une boucle. Rees me lança un regard peiné. « Je ne suis pas chanteuse », a-t-elle dit.

À proximité, debout devant un microphone, la chanteuse Santigold fredonnait le long de la voix de Ree et imitait les ondulations jusqu’à ce qu’elle les connaisse par cœur. Le musicien Ray Brady, assis devant un ordinateur à proximité, a parcouru une série de sons de boîte à rythmes jusqu’à ce qu’ils en entendent un qu’ils ont tous aimé, et Santigold a commencé à chanter dessus. Le climatiseur était éteint – il interférait avec la qualité des enregistrements – et l’air était dense avec une humidité qui ne semblait pas déranger.

Rees et Santigold enregistraient une série de démos pour un opéra futuriste sur grand écran intitulé « The Kyd’s Exquisite Follies ». Le scénario, sur lequel Rees travaille depuis environ un an, décrit le voyage d’un jeune musicien androgyne noir vivant dans une petite ville qui part pour «It City» à la recherche de la célébrité. « Un être cosmique surdimensionné, pailleté et lunettes de soleil se penche dans le cadre », lit la description de la première scène. « C’est Bootsy Collins si Bootsy trébuchait simultanément sur l’acide, André 3000 et CBD Frosted Flakes avec du sucre supplémentaire. » Son tableau d’humeur pour le projet comprend des images du festival culturel Afropunk et un casting de rêve d’Erykah Badu, Beyoncé, Janelle Monáe et la chanteuse de R&B Syd. Le tout ressemblait presque à un fantasme incubé au fond d’un fil Twitter, mais Rees m’a dit plus tard qu’elle avait été inspirée pour combiner l’héritage culturel de « The Wiz » avec la grandeur de la franchise « Star Wars » pour créer un kid-friendly film aussi canonique que ses points de référence. « Je me disais: » Où est « The Wiz » pour nous, pour nos enfants, pour les enfants queer? «  », A-t-elle déclaré.

Rees travaille à ce moment depuis près de 10 ans, passant assurément des films indépendants au cinéma à succès avec l’espoir d’établir une liberté créative que peu de réalisateurs atteindront. Elle place une large gamme de paris, dans l’espoir qu’elle sera bientôt en mesure de jouer aussi hardiment qu’elle le souhaite. L’héritage, m’a-t-elle dit, est son objectif ultime: «Je veux créer un travail qui compte et qui dure.»

À 43 ans, Rees a déjà eu le type de succès qui lui survivra. En 2011, elle a sorti son premier long métrage, « Pariah », un drame luxuriant sur le passage à l’âge adulte sur une jeune femme noire nommée Alike aux prises avec sa sexualité et la réponse du monde à cela. Le film a remporté plus d’une douzaine de prix, dont notamment le N.A.A.C.P. Prix ​​de l’image pour un film exceptionnel. L’année dernière, le film a été inclus dans la liste des meilleurs films d’IndieWire de la dernière décennie, avec « Moonlight », « Carol » et « Call Me by Your Name » – des films qui présentent également des récits étranges, bien qu’il soit intéressant de noter que  » Pariah »est sorti des années avant eux. En 2017, elle sort son prochain long métrage, «Mudbound», un drame sur la vie d’une famille noire et d’une famille blanche travaillant sur le même terrain au Mississippi dans les années 40. Il a remporté quatre nominations aux Oscars, dont le meilleur scénario adapté, ce qui en fait la première femme noire à être nominée dans la catégorie. Son dernier projet, qui s’ouvre le 14 février avant d’être diffusé sur Netflix, est son film le plus hollywoodien à ce jour: avec Anne Hathaway, Willem Dafoe et Ben Affleck, «The Last Thing He Wanted» est une adaptation du roman de Joan Didion de 1996 sur un journaliste américain. enquêter sur les ventes illicites d’armes à l’Amérique centrale sous l’administration Reagan. C’est la tentative de Rees de démontrer sa gamme à travers l’échelle, le genre et la puissance des stars.

Mais ici à Los Angeles, son désir professionnel le plus profond était en cours. Rees avait déjà obtenu un producteur pour «Follies» dans son collaborateur de longue date, Cassian Elwes, ainsi qu’un créateur de costumes. Industrial Light and Magic de Lucasfilm s’était engagé pour créer les effets visuels. La prochaine étape du processus consistait à produire un échantillon de musique qui pourrait être joué pour des financiers potentiels, des partenaires de studio et des distributeurs, afin de susciter l’enthousiasme pour le projet.

La chanson principale sur laquelle elle et Santigold travaillaient cet après-midi était un duo entre le héros, le Kyd, et une entité invisible offrant un soutien de loin. « L’intention ici est que l’Univers l’accompagne, et elle ne s’en rend pas compte », a informé Rees dans la pièce, en utilisant ses mains pour montrer deux entités en orbite l’une autour de l’autre, la plus petite inconsciente de la plus grande. Elle a décrit la chanson comme un ballet, avec une chorégraphie. L’Univers n’est pas une métaphore, a-t-elle expliqué; c’est un personnage réel, une lumière directrice et un intérêt amoureux, qu’elle a imaginé être joué par Erykah Badu. Les paroles de la chanson comprenaient des lignes mélancoliques comme «C’était plus facile quand personne ne regardait» et «Les gens vous voient comme ils ont besoin de vous».

Santi, comme tout le monde dans la pièce l’appelait, a fini de chanter une partie et a commencé à en enregistrer une autre, dans une intonation plus basse pour indiquer une voix différente. Elle et Rees construisaient les os d’un point pivot dans le récit: The Kyd réfléchit sur l’isolement, la solitude et le doute de soi qui accompagnent une ascension vers la célébrité – des sentiments que Rees a révélés de ses propres expériences de vie en tant que jeune réalisateur . Ils ont travaillé intensément pendant près d’une heure de cette façon, jouant du clavier, bouclant la batterie, enregistrant Santigold alors qu’elle chantait les deux parties, puis s’arrêtant pour obtenir des commentaires. Quand Rees ne ressentait rien, c’était évident: elle est restée silencieuse mais a secoué la tête « non ». Quand elle aimait quelque chose, elle rebondissait sur son siège et offrait des affirmations comme «c’est chaud».

En regardant les deux femmes travailler, j’ai réalisé que Rees n’avait pas seulement une idée de la musique, elle avait créé un univers entier, écrit toutes les chansons, arrangé les mélodies et construit un modèle 3D dans sa tête des décors et du paysage . Pour elle, composer des chansons captivantes et des numéros de comédie tout en attrapant du lait à la bodega vient aussi facilement que de diriger certains des plus grands acteurs travaillant à Hollywood. Malgré cela, la plus grande question sur sa carrière est de savoir si Hollywood lui permettra la longévité dont elle a besoin.

« Je connais ce personnage », a déclaré Rees à un moment donné à propos du Kyd, bien qu’elle ait pu parler de son propre voyage en tant qu’artiste jusqu’à présent. « Ce sentiment d’être pris au piège, de vouloir être un artiste, de savoir que les chances sont contre vous et de le faire quand même. »

Quelques semaines plus tard, Rees était assise dans un petit café à Harlem, non loin de l’endroit où elle vit avec son épouse, l’auteur Sarah M. Broom, qui a récemment remporté un National Book Award pour son mémoire, «The Yellow House». Rees y était stationnée depuis un certain temps, discutant avec d’autres habitués, lisant la collection de nouvelles «Heads of the Colored People» de Nafissa Thompson-Spires et travaillant sur son ordinateur portable. Rees est une minimaliste: tout en elle a une élégance discrète, des torsions dans ses cheveux aux Jordans noirs et camo qu’elle aime porter. Ce jour-là, elle était vêtue d’une chemise boutonnée à pois blancs et roses et portait un sac à dos.

Rees m’a dit que les gens décrivent souvent son succès dans l’industrie cinématographique comme du jour au lendemain, ce qui est dédaigneux des années qu’elle a passées à bousculer pour « Pariah » et des gloses au fil des années qu’elle a eu du mal à vendre des pilotes et des longs métrages depuis lors. «J’ai passé 12 ans à me faufiler», a-t-elle déclaré. Elle souligne rapidement que la plupart de son travail n’est pas arrivé sur le marché.

Rees a déclaré que sa stratégie est de travailler sur « cinq choses à la fois et de voir laquelle reste. » Chaque fois que nous parlions, elle travaillait sur un nouveau projet. Une fois, c’était une émission de télévision sur un policier noir dans le Sud, dans les années 1970. Une autre fois, c’était une collaboration potentielle avec un dramaturge noir. Il s’agit à la fois d’une tactique de survie conçue pour naviguer dans les marées en constante évolution d’une industrie du divertissement mercuriel et peut-être aussi d’un mécanisme de défense: mieux vaut ne pas trop s’attacher à un projet qui n’est pas repris. L’écart des années après «Pariah» lui a appris à être stratégique.

«Pour moi, tout vient toujours avec un grain de sel», a-t-elle déclaré. « Je ne fais jamais confiance si cela va se produire jusqu’à ce que vous voyiez un camion à poignée s’arrêter. » Beaucoup de femmes noires qui font un début convaincant et remarquable ne parviennent jamais à faire un deuxième long métrage – pensez à Julie Dash ou Leslie Harris, dont vous ne connaissez peut-être pas les noms, mais qui sont respectivement responsables des films indépendants « Daughters of the Dust » et « Juste une autre fille sur l’IRT » « Il semblait que les gens se demandaient si c’était un coup de chance », a-t-elle dit à propos de « Pariah ». Après «Mudbound», elle a estimé que la question de sa capacité de direction a été résolue. « Maintenant, c’est à peu près combien je dois faire? »

Du point de vue de Rees, c’est le moment de travailler aussi vite et furieusement que possible pour réaliser tous ses projets de rêve – pas seulement « Follies » mais aussi un film d’horreur lesbien qu’elle prévoit d’écrire avec sa femme et un roman graphique de science-fiction qu’elle pourra éventuellement adapter à l’écran. « C’est un marché de créateurs », me dit-elle. «Il y a plus de toiles et pas seulement des longs métrages. Vous pouvez travailler en ligne, vous pouvez créer différents types de téléviseurs. Vous pouvez faire votre truc, et ils viendront à vous. « 

Rees faisait référence en partie aux services de streaming, en particulier Netflix, qui finançait et distribuait «La dernière chose qu’il voulait». Au cours des cinq dernières années, Netflix a fait de même pour des centaines d’émissions et de films originaux, dont beaucoup sont acclamés par la critique et attirent autant d’attention et de distinctions que les offres des studios de cinéma traditionnels. En 2019, Netflix a sorti 60 films et les analystes estiment que la société dépense plus de 8 milliards de dollars en contenu original par an. « Nous ne sommes pas un studio centenaire ni une propriété intellectuelle comme Disney », m’a expliqué Scott Stuber, responsable des films chez Netflix. « Nous n’avons pas d’archives ou de bibliothèque, il est donc très important stratégiquement de travailler avec des cinéastes comme Dee, Alfonso Cuarón, Martin Scorsese, et c’est notre différenciateur. » Le coup de coude de Netflix vers Hollywood a poussé d’autres sociétés à emboîter le pas, notamment Disney, Hulu, Apple et Amazon, qui produisent désormais tous du contenu en streaming exclusif. La domination de Netflix sera probablement remise en question dans les années à venir, mais la société a déjà remodelé les normes des consommateurs, notamment en s’attendant à ce que les gens puissent regarder des divertissements de première qualité dignes d’un Oscar dans le confort de leur canapé.

Pour rester compétitifs, les studios traditionnels doivent maintenant faire attention à ce que font ces services et essayer de les battre à leur propre jeu. Beaucoup de réalisateurs réalisant le meilleur matériel viennent du monde indépendant, m’a rappelé Rees: Ryan Coogler, Ava DuVernay, Barry Jenkins. « Et ce n’est pas pour des raisons altruistes mais pour des raisons lucratives », a-t-elle déclaré. « Les studios réalisent qu’il est rentable de garder les yeux ouverts. Netflix a forcé le reste de l’industrie à prendre plus de risques. L’avantage pour les cinéastes est qu’ils empêchent le reste de l’industrie d’être méprisant ou délibérément ignorant, et ils obligent l’industrie à considérer des films et des cinéastes qu’ils n’auraient peut-être pas envisagés. « 

Rees a également souligné le désir d’un contenu destiné spécifiquement aux consommateurs noirs, notant que les chefs de studio et les leaders de l’industrie prêtaient enfin attention à l’appétit des noirs: «Nous sommes les consommateurs et nous sommes les producteurs. Et nous disons: plus de «Livre vert». Cela ne nous intéresse pas. » Bien que Rees ait tendance à éviter les médias sociaux et Internet, elle les considère comme des leviers de ce changement radical. «Les portiers peuvent encore moduler la production, mais ils ne peuvent pas moduler la sensibilisation de la même manière», m’a-t-elle dit. « Avec cette prise de conscience vient une faim, et il soutient une écurie d’artistes. »

Dans les années 1970, Les parents de Rees ont acheté une maison dans un quartier en grande partie blanc à Nashville. Son père était policier; sa mère, scientifique à l’Université Vanderbilt. Quand j’ai demandé à Rees pour la première fois de décrire son enfance, elle m’a dit que c’était une «expérience de banlieue ennuyeuse typique». Elle était une enfant unique qui aimait se perdre dans les jeux vidéo, les bandes dessinées «Garfield» et les livres Choose Your Own Adventure. La famille était solidement de la classe moyenne. «À l’épicerie, c’était mon travail de tenir la calculatrice et de calculer la facture d’épicerie au fur et à mesure», se souvient affectueusement Rees.

Mais l’enfance «typique» de Rees comprenait également des anecdotes sur le fait de grandir à côté de personnes blanches qui remettaient en question la présence de sa famille au milieu d’elles. Les voisins ont accroché des drapeaux confédérés comme rideaux. Les toilettes des enfants tapissaient leurs arbres, une farce sonnait à la porte, arrachait les roses que sa mère avait plantées dans une roue de chariot. Les gens jetaient régulièrement des ordures dans leur cour en conduisant ou en passant. « C’était mon travail de ramasser ces déchets », a déclaré Rees. « Ils semblaient toujours nous regarder comme, » Comment pouvez-vous être ici, comment pouvez-vous en avoir plus que nous? «  » Le père de Rees garait souvent sa voiture de police devant leur maison pour « faire savoir aux gens de ne pas [expletive] avec nous », a déclaré Rees. «Vous vous y prépariez constamment, vous y prépariez et vous essayiez de ne pas vous laisser provoquer, comme cela était censé le faire.» Ces incidents, et les questions d’appartenance qu’ils soulèvent, se ressentent dans tous ses films.

Rees est diplômé en 2000 de la Florida A&M University avec une maîtrise en administration des affaires et a travaillé dans le marketing pour une série d’entreprises de santé et de beauté. Rees se voyait comme Marcus Graham, l’un des jeunes professionnels de la publicité noire dans le film « Boomerang ». « Je pensais vraiment que je travaillerais avec des gens comme Strangé », a-t-elle déclaré, faisant référence au personnage excentrique de Grace Jones qui donne naissance à un flacon de parfum dans une publicité cosmétique. Aucun des emplois n’a duré plus d’un an, mais le détour a été productif: elle a fait un tournage commercial pour un client, le Dr Scholl’s, et a suivi l’assistante de production par curiosité. Elle était excitée à regarder le travail, ce qui l’a incitée à reconsidérer sa trajectoire de carrière. Elle a été acceptée au programme de cinéma d’études supérieures de l’Université de New York en 2003.

Rees n’avait jamais fréquenté une école d’art ni même touché un appareil photo. «Je n’avais aucune idée de ce que je faisais», a-t-elle déclaré. Elle a eu du mal avec les missions, qui consistaient souvent à faire des expériences de courts métrages. «J’ai échoué et j’ai échoué durement», se souvient-elle. Ses professeurs semblaient accorder plus d’attention aux meilleurs étudiants. « Cela ressemblait à un désinvestissement immédiat des intérêts. » Au deuxième semestre, elle envisageait d’abandonner. «Le premier jour, ils nous ont dit que« seulement deux d’entre vous y arriveront », a-t-elle déclaré. «Et ce n’est pas moi qui avais l’impression qu’ils allaient réussir. Je me disais: «C’est un gaspillage, c’est tellement cher, je ne devrais pas faire ça.» »À 27 ans, elle craignait d’être trop vieille pour commencer une nouvelle carrière.

Rees a avoué toutes ses peurs et ses insécurités à sa petite amie à l’époque, qui lui a dit: «O.K., donc il n’y aura que deux d’entre vous. Cela signifie que vous et qui d’autre?  » Le discours d’encouragement a aidé, tout comme le soutien de quelques professeurs, dont Spike Lee, qui a été directeur artistique du programme de cinéma pendant près de deux décennies. Lee a été impressionnée par les capacités de narration de Rees et son œil, qui se sentait déjà unique – rare pour quiconque, mais surtout pour les étudiants. «D’après mon expérience, très peu de gens ont un style dès le départ», m’a-t-il dit récemment. «C’est quelque chose que vous développez au fil du temps, et elle l’a eu. Je n’ai jamais douté qu’elle réussisse. Je pouvais voir qu’elle allait faire ce qu’elle devait faire pour arriver là où elle voulait aller. »

Elle sentait que son travail commençait à décliner lorsque les devoirs étaient passés au documentaire. «C’est à ce moment-là que je me suis retrouvée et que j’ai trouvé ma voix», m’a-t-elle dit. Elle a fait un voyage au Libéria avec sa grand-mère et le directeur de la photographie en herbe Bradford Young. « C’était juste comme si personne ne regardait, et je me sentais confiant et j’ai pu faire le doc. » Ce film, « Eventual Salvation », raconte l’histoire de sa grand-mère de 80 ans, Earnestine Smith, alors qu’elle se rend à Monrovia, où elle a vécu pendant des décennies, et affronte les conséquences d’une guerre civile dévastatrice.

Elle aimait s’imaginer à la place de ses sujets. «Cela m’a aidé à être un meilleur réalisateur, car je pouvais voir que« Oh, si j’avais obtenu ce cliché, ce serait une meilleure dynamique, une meilleure narration à travers le langage corporel. »» La thèse de Rees était un court métrage intitulé «Pariah », Et la force du script l’a atterri à Sundance Labs pour incuber le court métrage dans un long métrage. Lee a offert des conseils, et Young, encore inconnu, a trempé le film dans les patines chatoyantes et richement colorées qu’il utilisera plus tard dans des films comme «Arrivée» et «Selma».

Pendant son séjour à N.Y.U., Rees a abrégé son nom de Diandréa à Dee. Elle établissait une frontière entre elle et le monde qui, à ce jour, a l’impression de protéger sa vie personnelle. Elle sortait en tant que lesbienne, ce qui, au début, ses parents ont craqué pour une «école d’art», a déclaré Rees. Mais une fois qu’ils ont réalisé qu’elle était vraiment amoureuse d’une femme, ils ont implosé. Sa mère est venue à New York pour essayer de mettre en place une intervention. Son père était gêné. « Nashville est super-conservateur et petit, et je suppose que le mot se répandait », a déclaré Rees. Aucun des parents ne lui a parlé pendant un certain temps, mais tous deux sont venus voir une projection de «Pariah» à New York en 2011. Le soutien dans la salle a apaisé leurs inquiétudes, tout comme l’affiliation avec Sundance. « Ma vie n’a pas été une épave, ce qui l’a rendue plus acceptable pour eux », a déclaré Rees.

Un thème commun à travers les projets de Rees est la façon dont le monde impose des limites aux personnes et si cela les détruit ou les libère. Les moments dans ses films où ses personnages affrontent ce dilemme existentiel sont souvent extrêmement subtils, mais néanmoins puissants. Dans «Bessie», le film de HBO que Rees a réalisé en 2015 sur la chanteuse de blues Bessie Smith, nous voyons comment Smith se rebelle contre les attentes de la société dans sa fluidité sexuelle, sa consommation excessive d’alcool et même dans sa confrontation avec le Ku Klux Klan lors de l’un de ses spectacles. Mais le moment le plus révélateur est Smith, joué par la reine Latifah, assise entièrement nue dans une vanité, son corps brillant d’huile, se voyant entourée des signes extérieurs de la renommée mais finalement seule et vieillissante. Elle fait face aux choix qu’elle a faits et décide apparemment si elle en fera d’autres demain. Dans « Pariah », c’est l’étincelle de possibilités qui se reflète dans les yeux du jeune Alike alors qu’elle regarde une danseuse glisser le long d’un poteau vers l’hymne de plaisir de Khia « My Neck, My Back » dans une boîte de nuit gay.

Ce qui frappe dans le travail de Rees, c’est que même si aucun de ses films n’est explicitement autobiographique, elle trouve toujours des moyens de canaliser ses expériences de vie en eux. L’expérience de ses arrière-grands-parents, qui ont choisi le coton, est par exemple intégrée à «Mudbound», mais elle reflète également l’amoralité de la violence raciale et la manière dont un pays peut lutter contre elle dans une guerre, tout en la perpétuant chez elle. Au centre de « The Last Thing He Wanted » se trouve une relation père-fille compliquée de culpabilité et d’obligation, mais c’est aussi un thriller dont le personnage principal est déterminé à dénoncer la corruption du gouvernement.

Rees a réalisé au début de sa carrière qu’en tant que réalisatrice travaillant à Hollywood, elle n’aurait pas la même liberté que, disons, Richard Linklater ou Noah Baumbach pour explorer les détails de sa vie à l’écran. Rees a fait des compromis pour qu’elle puisse continuer à travailler sur les thèmes qui l’intéressaient le plus. « Quand j’ai commencé, je me disais: » Je ne vais pas faire d’adaptations «  », m’a-t-elle dit. « Je veux seulement faire mes propres trucs, mais je me suis vite rendu compte que je ne pourrais pas survivre à cause du temps qu’il faut pour amener les gens à vouloir faire votre truc original. »

En 2014, Cassian Elwes, un vétéran de longue date d’Hollywood qui a produit des films comme « Lee Daniels » The Butler « et » Dallas Buyers Club « , s’est trouvé horrifié après avoir lu sur le déséquilibre extrême entre les sexes qui prévaut dans la réalisation de films hollywoodiens. Le Dr Stacy L. Smith, professeur de communication à l’Université de Californie du Sud à Annenberg, a découvert que moins de 5% des grands films hollywoodiens étaient réalisés par des femmes. Les personnes de couleur étaient également considérablement sous-représentées. (Ces chiffres n’ont pas fluctué de manière significative depuis.) Elwes a également été choqué de lire que la plupart des jeunes réalisateurs masculins blancs réalisent leurs projets de deuxième année peu de temps après leur premier; la plupart des femmes de couleur prennent des années. Beaucoup d’entre eux, incapables de subvenir à leurs besoins pendant cet écart, abandonnent.

À cette époque, deux jeunes producteurs ont apporté à Elwes le scénario de «Mudbound». Il en est tombé amoureux et son esprit a dérivé vers « Pariah », qu’il avait vu à Sundance. Elwes a envoyé le script à Rees. Quelques années plus tôt, Rees avait voulu adapter le roman «Home», de Toni Morrison, pour explorer le paradoxe de la liberté des Noirs américains revenant de l’étranger; maintenant, elle a réalisé qu’elle pouvait injecter ce désir dans « Mudbound ».

« Il a été le premier producteur à se dire » C’est à toi « , se souvient Rees. « Ce n’était pas de l’exploitation ou comme vous devriez être reconnaissant. Il était comme, « Quoi que vous vouliez faire, allons-y. » Il a plus confiance en moi que certains producteurs de couleur. « 

Un film comme «Mudbound» pourrait facilement être saturé de récits hollywoodiens simplistes sur la résilience des Noirs et le pouvoir réparateur des amitiés interraciales. Mais Rees n’avait pas peur de montrer un monde où certains blancs sont méchants et aucun ne sauvera les personnages noirs. La première impression que Rees avait du script était qu’il était «un peu trop sucré». Il a présenté la musique comme le baume apaisant la tension entre les deux familles. Rees a écrit plus de scènes mettant explicitement en vedette la famille Jackson, dont une autour d’une table où ils discutent de leurs rêves d’acheter leur propre parcelle de terrain, pour être interrompue par le propriétaire foncier blanc, qui exige qu’ils viennent décharger son camion. Le film trouve son propre langage emphatique pour l’horreur spectrale de la violence blanche en Amérique à travers des vignettes calmes: le visage serré d’un homme noir bien habillé, monté à l’arrière d’une camionnette poussiéreuse d’un homme blanc. Le visage mouillé et gonflé d’une femme blanche sanglotant dans les bras d’une matriarche noire, dont la résignation et la fatigue se lisent dans le jeu de sa bouche.

Rachel Morrison, directeur de la photographie du film, qui a reçu une nomination aux Oscars pour le film, a déclaré qu’elle était attirée par la capacité de Rees à « mettre le public directement dans le personnage principal », m’a-t-elle dit. Par exemple, lors du tournage de Laura, une femme perdue pour qui elle est dans le monde, les plans montrent son petit corps nerveux éclipsé par le terrain détrempé et le ciel bleu béant. Rees était «intransigeant uniquement des meilleures manières», a déclaré Morrison, sur un ton riche d’admiration. Elle se souvient d’un cas où Rees voulait un coup de feu regardant à travers une porte moustiquaire, du monde extérieur dans une maison sombre. « Ce fut une tonne de travail, équilibrant le soleil brillant et les ombres sombres, mais je me disais: » Si cela en vaut la peine pour vous, je le ferai. «  » Cela en valait la peine pour Rees. Morrison a passé près d’une heure à manipuler l’ensemble pour capturer ce qui équivaudrait à des secondes de temps d’écran. Quand Morrison a vu la coupe finale, elle a réalisé l’élégance du cliché et à quel point il articulait magnifiquement la différence entre les deux familles et les mondes qu’elles habitent. «C’est l’un de mes clichés préférés dans le film», a-t-elle déclaré.

Après avoir terminé « Mudbound », Rees a dit à Elwes qu’elle voulait adapter le roman de Joan Didion. Il connaissait l’agent de Didion et était en mesure de choisir «La dernière chose qu’il voulait». « Nous l’avons amené dans tous les studios, et personne ne s’en occuperait », a-t-elle déclaré. «Netflix est intervenu et l’a enregistré. Mais c’était dur de cette façon. Vous pensez parce que c’est Joan Didion, comme, bien sûr – mais non. « 

Rees a du mal à ne pas s’intéresser personnellement au manque d’intérêt des studios pour son travail. Quand je lui ai demandé comment elle rationalisait leur indifférence, elle a pris son temps pour répondre, pesant clairement combien de ses pensées intérieures sur Hollywood elle voulait diffuser en public, regardant son café tout le temps. « Quand les choses n’ont pas de sens logique, pour moi, je vais dans un endroit où il n’y a qu’une seule chose qui peut expliquer cela. Tu sais ce que je veux dire? » Elle s’arrêta à nouveau, jouant avec son café au lait. « Cela ressemble à un double standard, et le double standard pour moi est la course. »

Je lui ai demandé comment elle se débrouillait pour avoir un talent de réalisatrice si démontrable tout en se sentant contrecarrée dans ses efforts en même temps. « Le seul refuge que j’ai est de faire plus de travail, d’être implacable et de continuer à faire et à faire, et j’espère que finalement je n’aurai plus à prouver que j’ai les capacités. » Elle l’a ressenti profondément lorsque «Mudbound» a été ignoré par les grands studios, même si cela ressemblait à une photographie de Birney Imes prenant vie et présentant des performances hypnotisantes de Carey Mulligan et Rob Morgan. Il a finalement été vendu à Netflix, pour 12,5 millions de dollars, le plus gros contrat conclu à Sundance en 2017. « J’ai appris à aller où est l’amour et à travailler avec qui veut travailler avec vous », m’a-t-elle dit. « La chose à laquelle vous êtes confronté n’est pas nouvelle. Depuis la première année, au moment où vous entrez à l’école, vous êtes confronté au racisme. Mais c’est toujours magnifique parfois. « 

Ce qui reste frappant chez Rees, c’est que ces défis n’ont pas mis son ambition en sourdine. Elwes l’a souligné à plusieurs reprises. « C’est gigantesque », a-t-il dit, émerveillé. « Elle pourrait éliminer des films indépendants toute la journée si elle le voulait. » Mais au lieu de cela, avec quelque chose comme «Follies», elle essaie de créer un empire pop-culturel. « Elle construit un monde, et en ce moment à Hollywood, la plupart des gens font juste une autre version d’une bande dessinée ou une suite ou un remake », a déclaré Elwes. Son intrépidité et son talent sont la raison pour laquelle il a immédiatement accepté de l’aider à produire et à financer son opéra de science-fiction après avoir fait circuler l’idée par lui dans un message texte. Il s’est efforcé de réunir les quelque 80 millions de dollars dont elle a besoin pour le retirer. « Ce n’est pas un slam dunk », a-t-il dit, « mais celui qui prend le risque recevra la récompense. »

Vers la fin de notre réunion au café, Rees m’a dit timidement – un mode rare pour elle – que son plus grand rêve était de travailler sur une trilogie majeure de long métrage, quelque chose d’encore plus audacieux que « Follies ». « Je veux avoir un monde avec une femme noire au centre, qui finit par mener une rébellion », a-t-elle déclaré. « Je veux créer un tout nouveau monde plutôt que de colorer celui de quelqu’un d’autre. » La trilogie que Rees veut construire se déroule à une époque dystopique, un paysage infernal dévasté par le changement climatique et des médias sociaux incontrôlables où les gens doivent respecter une cote de crédit minimale afin d’avoir une qualité de vie décente.

Rees espère que « The Last Thing » sera un pont entre son travail passé et ses ambitions plus larges. Contrairement à ses films précédents, « The Last Thing » est un thriller politique au rythme effréné avec des poursuites en voiture, des fusillades et des décomptes de corps qui comprend des gros plans serrés et des paysages impressionnistes. L’effet est claustrophobe et vertigineux – un écart par rapport au travail précédent et plus linéaire de Rees – et pourtant le public reste, comme le reflétait Morrison, carrément dans la perspective d’Elena McMahon, la journaliste au centre, jouée par Anne Hathaway. Alors que McMahon perd sa boussole morale, le spectateur devient également désorienté et incapable de suivre les révélations, ce qui, à Sundance, a amené de nombreux critiques à faire un panoramique du film.

Quand j’ai parlé avec Rees par téléphone de Sundance, juste après les premiers commentaires, elle avait l’air optimiste. Son film avait été «saccagé», a-t-elle dit, «mais j’y crois toujours.» Puis sa voix se redressa tandis qu’elle commençait à me dire les détails de quelques affaires encore non annoncées qu’elle avait signées depuis notre dernière rencontre. De son point de vue, semble-t-il, la réponse critique a été un échec dans ce qu’elle prévoit d’être une longue carrière.

Une fois, après une scène, Rees a appelé cut, et Perez a demandé à Rees si elle était sûre qu’ils avaient obtenu le coup. « Elle m’a regardé et a dit, impassible: » Je n’aurais pas bougé si nous ne l’avions pas fait. «  » Perez, profondément dans ses souvenirs, lâcha ce fameux rire du plus profond de sa cavité nasale. «Je me disais:« J’ai compris. Laisse moi fermer [expletive] ». Son admiration pour Rees a été cimentée à ce moment-là.

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